Página web de la Juilliard School

Aceptando sólo alrededor del 7 por ciento de los aspirantes, incluso deja atrás a universidades de elite como Yale y Harvard.

Un poco de historia

Fue fundada en 1905 como Instituto de Arte Musical, hasta que en 1920 se creó la Fundación Juilliard, gracias al aporte económico de un mercader textil. Pocos años después, las dos instituciones musicales se unieron para formar The Julliard School of Music, cuyo presidente en ese momento era William Schuman.

Originalmente una academia de música, se fue ramificando para incluir también una rama de danza y otra de teatro. En 1969 se mudó al Lincoln Center y el nombre de la institución se le cambió por el actual.

¿Quiénes pueden estudiar en esta institución?

La Academia Juilliard está orientada a estudiantes cuyo talento y compromiso con la excelencia prometan logros futuros en las áreas de estudio elegidas. Un Comité de Admisiones selecciona a los estudiantes en primer lugar basándose en sus interpretaciones y en audiciones competitivas que tienen lugar tanto en la Academia como en ciudades seleccionadas de los Estados Unidos.

Todas las audiciones son evaluadas por los miembros de la facultad. Si bien es muy difícil ser aceptado en esta academia, Juilliard admite estudiantes de cualquier nacionalidad u origen étnico a todos sus derechos, privilegios, actividades y programas disponibles.

¿Qué artistas famosos estudiaron en esta academia?

Muchos representantes de varias ramas artísticas son egresados de esta casa de altos estudios. Entre los actores, podemos encontrar a Kelsey Grammer, Val Kilmer, Christopher Reeve, Kevin Spacey, Robin Williams o Laura Linney. Entre los músicos, son mundialmente conocidos el violonchelista Yo Yo Ma; los jazzistas Tito Puente, Chick Corea y Miles Davies; los compositores Philip Glass y John Williams.

Otras actividades

Además de dictarse clases, la Academia Juilliard conserva una valiosísima colección de manuscritos de músicos famosos, entre los que se incluyen Beethoven, Mozart, Brahms, Chopin, Bach, Wagner o Stravinsky. En la Academia funcionan diversos ensambles musicales, tales como música de cámara, orquestas, ensambles de jazz y grupos vocales y corales.

Web del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

El museo

El MAMBA abrió sus puertas en el año 1956. Desde ese entonces se exhiben diversas colecciones que se relacionan obviamente con aquello que da su denominación al museo: el arte moderno. El concepto de arte moderno es realmente complejo y visitar y conocer a los artistas que conforman este período es vital para poder comprenderlo.

El museo se encuentra en un barrio de lo más frecuentado de la capital porteña, San Telmo. No siendo el único espacio cultural que entre esas manzanas existe, San Telmo se configura como un de los focos más atractivo para extranjeros y foráneos. Temporalmente hablando, las obras que se encuentran en la colección propia del lugar son de artistas cuya producción se dio a partir de 1920 en adelante, cercando el concepto de moderno dentro del período que allí comienza y no se ha cerrado aún.

Colecciones del MAMBA

Cabe destacar que en dicha colección no es el lienzo el protagonista. El concepto de arte visual en si mismo se ve puesto en un entredicho en el arte moderno. Nuevos soportes, nuevas técnicas, nuevos materiales están en el foco de atención. El diseño ingresa al mundo del arte y comienza a ganar un lugar de lo más importante. Por ello, muchas son las obras que podrían ser catalogadas como propias de diseño industrial o del diseño gráfico.

No olvidemos que es en el siglo XX cuando irrumpen las más variadas tecnologías que hacen que el arte tenga que repensar su espacio y su momento propios de si mismos. Así como la fotografía puso en jaque al arte como reproductor de la realidad, cada una de las tecnologías que abrieron las puertas para el diseño y la producción en serie hicieron su desgarro en el concepto propio del arte.

Datos importantes

El MAMBA está en la Avenida de San Juan, 350. Cuanta, además de las colecciones, con una enorme cantidad de publicaciones propias que versan sobre temáticas acordes a las mismas. Además, vale la pena preguntar por las visitas guiadas que se programan para poder contar con un contar con un apoyo teórico para acompañar el recorrido.

El arte siempre es una opción

Vencer la timidez

Al estudiar teatro, aprendemos a sobrellevar mejor aquellas situaciones que nos resultan vergonzosas. Un actor debe estar preparado para subir a actuar en el escenario sin sentirse incómodo por estar siendo observado. A los estudiantes que toman cursos de teatro, por lo tanto, es de esperarse que les resulte más sencillo abordar una exposición oral o aún un examen final. Además, al sentir menos la timidez, te resultará más sencillo darte a conocer a tus compañeros y entablar nuevas amistades con los demás estudiantes de tu clase.

Facilidad de palabra

Uno de los ejercicios que más frecuentemente se hacen en las clases de teatro es la improvisación. Ésta consiste en inventar una escena en el momento, solo o con un compañero, sin un guión previo. Con el tiempo, es menos probable que te quedes sin palabras. De la misma manera, esto te ayudará a improvisar frente a una pregunta inesperada que te formule un docente, mientras organizas en tu cabeza la respuesta más adecuada.

Memorizar con rapidez

Por supuesto que, al estudiar teatro, es necesario leer mucho y en ocasiones también memorizar largos textos de diálogo. Los actores entrenados cuentan con una serie de técnicas que les permiten recordar prácticamente de memoria largos parlamentos. En cuanto al estudio, de más está aclarar que nada sirve repetir como un loro si no comprendes lo que estás leyendo. Sin embargo, recordar con facilidad los textos es una destreza nada despreciable para los estudiantes.

Relajación

Probablemente sea lo más importante que te den tus clases de teatro. Gracias a una cantidad de ejercicios que los actores realizan, éstos logran serenar tanto el cuerpo como la mente, para estar atentos y concentrados cuando llega el momento de salir a escena. Así que ten esto siempre presente: tanto en la universidad como en cualquier otro ámbito de tu vida, aprender a relajarse y a tomarse las cosas con calma es la clave para sentirse mejor y más feliz en todo momento.

Todos llevamos un artista dentro

Claro: probablemente pienses que, desde que comenzaste la universidad, has olvidado el significado de la frase “tiempo libre”. Pero, aunque ahora te parezca imposible, verás que si te lo propones, sabrás hacerte los momentos para dedicarte –al menos un rato cada semana- a lo que más te gusta hacer.

Bellas artes

Si lo tuyo es la pintura, la escultura o cualquier otra rama del arte relacionada con la imagen, es posible encauzar tu vocación eligiendo una carrera que se aproxime, como bellas artes o diseño. Sin embargo, aún si estás estudiando otra cosa, no dejes de invertir parte de tus ingresos en insumos tales como pintura y buenos cuadernos. Si te lo propones, puedes seguir dibujando en tus ratos entre clase y clase. Y aprovecha los fines de semana para visitar museos de arte y llenarte de inspiración creativa.

Música

No todos los amantes de la música terminan estudiando en un conservatorio, ya que la exigencia de estas instituciones aleja a más de uno. Sin embargo, aún te queda la posibilidad de practicar tu instrumento, de tocar en fiestas o cuando te reúnes con tus amigos, y de asistir a conciertos en cualquier época del año. Después de todo, sea lo que sea que estés estudiando, el amor por la música es algo que siempre se lleva consigo.

Danza

¿Disfrutas bailar más que nada en el mundo? Tal vez hayas buscado seguridad en otra carrera, pero no por eso debes abandonar para siempre la pista de baile. Puedes tomar algunas lecciones en un gimnasio o en un centro cultural. Aunque no te vayas de gira con una compañía de ballet internacional sí podrás, al menos, disfrutar de dar un espectáculo junto con tus compañeros en alguna ocasión.

Literatura

Tal vez el arte más fácil de llevar dondequiera que vayas sea el de la palabra. Obras famosas de la literatura universal han sido escritas por artistas que toda su vida trabajaron de otra cosa. Puedes escribir versos de pie en el tren o esperando tu turno en la cafetería, o bien terminar toda una novela mientras haces trámites para la oficina. No te desanimes: si tienes algo que decir, las nuevas plataformas como los blogs pueden ser tu medio de expresión ideal.

El diseño: objetivos claros y estética de la vida cotidiana

Una carrera de diseño te garantiza salir con una profesión de la que probablemente puedas vivir durante toda tu vida. A la hora de –por ejemplo- diseñar una campaña gráfica, no importa si estás inspirado o no, es tu trabajo y sencillamente lo haces. Por supuesto, aplicarás conceptos de estética que harán que lo que produzcas no sólo sea profesional, sino también bello y gratificante.

Inclínate hacia el diseño si estás dispuesto a producir persiguiendo objetivos concretos, que tal vez se aparten de tus propias ideas sobre un determinado concepto (después de todo, trabajas en función de los pedidos de tus clientes). También si te interesa trabajar con tecnologías modernas como los programas más novedosos de software, sin importar que no te ensucies las manos con carbonilla (aunque deberías estar dispuesto a hacerlo llegado el caso).

El arte: amor a la propia vocación ante todo

Una carrera artística cuenta con la desventaja principal de que estudiar mucho no te garantiza poder vivir de lo que haces. Para llegar lejos en el mundo del arte es necesario mucho sacrificio, tener los contactos adecuados y bastante suerte, además de tu talento. Pero puedes reorientar tus saberes si estás de acuerdo con trabajar como ilustrador, por ejemplo, o bien como docente de arte en una escuela, mientras persigues tu vocación de crear cosas bellas.

Inclínate hacia el arte si es lo que más amas en la vida (aún más que poder vivir de tu oficio), si estás dispuesto a hacer trabajos no siempre relacionados con tu carrera y si adoras trabajar con materiales diversos. El arte, ante todo, sigue siendo una cuestión de vocación, de amor y de perseguir nuestros sueños, por más que no sean lucrativos.

Éste museo, situado en Madrid, si bien depende del ministerio de cultura del gobierno de España, posee carácter autónomo. El perfil del mismo se orienta a la exhibición y la promoción de arte moderno y contemporáneo.

Si bien posee una colección propia, periódicamente abre las puertas a muestras contemporáneas de arte de tipo emergente. Esto es importante, ya que no todos los museos ofrecen tales posibilidades para artistas actuales.

Colección permanente
Las obras de arte que pertenecen propiamente al MNCARS desde sus comienzos provienen de fondos relacionados con el Museo Español de Arte Contemporáneo, que había cerrado sus puertas, y la colección de arte del sigo XX del Museo del Prado.

Éstas últimas llegan a éste museo con la necesidad básica de enmarcarse en un ámbito específico, ya que el arte moderno y contemporáneo carecía de lugar propio. Es importante destacar que entre las adquisiciones provenientes del Museo del Prado se encuentran una serie de Pablo Picasso relacionada con el Guernica, que también pertenece a la colección permanente del MNCARS, y se exponen en conjunto.

El patrimonio del mismo asciende a más de 16.000 obras que relevan las más diversas técnicas y soportes (bocetos, fotografía, lienzos, arte decorativo, arquitectura, grabados).
Con el eje puesto en el Guernica, se exponen de manera permanente alrededor de 570 obras.

¿Qué exposiciones pueden visitarse actualmente?
Al presente es posible asistir a cinco exposiciones, además de la posibilidad de asistir a la colección permanente. Estas son: “Maquinas y Almas: Arte digital y nuevos medios”, “Edward Steichen: una epopeya fotográfica”, “Francesc Ruiz, la visita guiada”, “Noche áurea – Javier Riera”, “Leonardo Cantero. La dehesa del Hoyo”.

Como puede apreciarse ya desde los nombres de las muestras se confirma el hecho de que este museo se encuentra absolutamente focalizado al arte moderno y contemporáneo. En éste espacio encuentran cabida expresiones como la fotografía, el comic, así como la exploración de técnicas con figuras geométricas, propias del abstraccionismo vanguardista.

Se ve explicitada una intensión de mostrar una diversidad en las propuestas visuales, ligado a todas las intensiones modernistas y vanguardistas que cambiaron el rumbo de la historia del arte a comienzos del siglo XX.

Éste planteo se relaciona con un vínculo estrecho con el público receptor de la obra, permitiendo un mayor acercamiento y acceso que va desde las propuestas estéticas en si hasta el valor mismo de la entrada (que ronda los 6 euros y ofrece descuentos varios).

En resumen: el Museo Centro de Arte Reina Sofía ofrece actualmente cinco exposiciones de arte moderno y contemporáneo además de su colección permanente, cuyo atractivo central son las obras de Pablo Picasso.

OBRA DESTACADA

De sus primeros años como artista destaca la serie titulada Black Paintings (1959-1960). Una serie de pinturas realizadas durante los años vividos en Francia,en los que temas como la noche, la maternidad, o los amantes son tratados desde una óptica de aislamiento y hermetismo.

Tras su regreso a Estados Unidos, y frente a la serie de protestas levantadas contra la guerra de Vietnam, Nancy Spero realiza la serie War (1966-1970). Desecha la tela como superficie para su obra, y comienza a utilizar papel para realizar esta serie en la que deja ver su rechazo a la guerra y el abuso de poder que esta supone.

Artaud y Spero

Hacia fines de los ’60 y principios de los ’70 Nancy Spero realiza dos series de trabajos que toman por tema la obra literaria de Artaud. Bajo los título de Artaud Paintings (1969-1970), y Codex Artaud (1971-1972), una obra que, por la expresividad de su lenguaje, marca un punto de inflexión frente a los discursos del arte conceptual contemporáneo.

De su participación en el movimiento feminista de los ´70 se destaca su participación en el colectivo WAR (Women Artists in Revolution), con quienes realiza distintas manifestaciones relacionadas con la búsqueda de la igualdad de genero en museos, y su obra Torture of Women (1976), donde la tortura de mujeres por parte de regímenes totalitarios de América del Sur son tema central.

Gigantismo Spero

Durante los ´80 y ´90, la obra de Nancy Spero comienza a adquirir grandes dimensiones y una mayor relación con el espacio arquitectónico en que es expuesta, derribando la distancia psicológica que existe entre la obra y el espectador, obligando a este a tener una mirada mas activa de la propuesta artística. El color comienza a tomar mayor relevancia en su obra, sin anular los temas que siempre la obsesionaron el dolor, la destrucción y la violencia.

La instalación Maypole: Take No Prisoners, (2007), realizada para la Bienal de Venecia vuelve a abordar, como lo ha hecho a lo largo de toda su carrera, el tema político actual de su país, la guerra de medio oriente.

En resumen, una retrospectiva que muestra el compromiso político y social del arte y de su realizadora.

Mas Información

MACBA – Museu D´Art Contemporani de Barcelona.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia.

CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.

El Festival Internacional de Videoarte, Óptica será presentado el próximo día 4 de octubre en París. Después se trasladará a Madrid donde se podrá visitar los días 16, 17 y 18 del mismo mes. La última oportunidad para disfrutar de este evento será en la ciudad asturiana de Gijón, los días 6, 7 y 8 de noviembre.

La sección oficial de competencia cuenta con dos categorías: una de artistas independientes y otra de galerías. Se entregara además el premio jurado joven y el premio especial Optica.

Ediciones anteriores

Desde su primera edición en el año 2005 con formato de Encuentros, pasando por su ampliación de contenidos en 2006 para convertirse en festival internacional, hasta su nueva edición de este año 2008, se han reunido obras de artistas del vídeo de ciudades como Nueva York, Londres, San Francisco, Madrid, Barcelona, París, Berlín o Tokio entre otros. Este festival se ha convertido en un importante punto de referencia para aquellos que, interesados en la experimentación con imagen en movimiento, buscan estar al tanto de nueva propuestas de artistas de todo el mundo. Gran cantidad de artistas, colectivos, bloggers, galerías, curadores e instituciones hacen posible que este festival siga creciendo con el correr del tiempo. Generando un importante punto de encuentro para aquellas personas que, interesadas en difundir su obra, o conocer los nuevos caminos del arte contemporáneo, se acercan a participar cada año del festival.

Entre los ganadores de ediciones anteriores de este festival pueden nombrase a Jerry King-Musser (USA) y Alessandro Vassileva (Alemania) en la categoría Artista independiente; Jan Fabre – Galería MAM (Austria) y Hugo Alonso – Galería Adora Calvo (España) por la sección Galería; Carlos Sid Ruiz – Galería Rafael Perez Hernando Arte Contemporáneo (España); y Mariana Vassileva – Galeria DNA (Alemania) y Alette Simmons jiménez (USA) dentro de la categoría jurado joven.

Cómo participar

La organización del Festival Optica invita a participar de su cuarta edición a todas aquellas personas o galerías que se encuentren dentro del mundo del vídeo arte. Para poder participar es necesario descargar un formulario desde la página del festival y enviarla por correo postal antes del 1 de Septiembre de 2008, adjuntando una copia del video presentado en formato DVD y dos imágenes en alta resolución.

Entre las obras presentadas, el jurado seleccionará las mejores, que compondrán la programación del festival este año.

Mas información:

Web del Festival Optica

Video difusión del Festival Optica

La John Simon Guggenheim Memorial Foundation ofrece becas exclusivamente para las áreas artísticas; tanto para investigación, como para creación. Fue creada por Simon Guggenheim (senador norteamericano) y su esposa como una forma de recordar a su hijo, que había fallecido en 1922. Desde entonces, esta fundación se dedica a otorgar becas a personalidades distinguidas, apuntando hacia un perfil de profesionales que porten una carrera ya reconocida.

¿Qué tipos de beca ofrece y quiénes pueden concursar?
En principio lo que se ofrece es una suma de dinero, de aproximadamente U$ 35.000, para desarrollar el proyecto presentado en no más de un año, y no menos de seis meses.
La convocatoria está dividida por zonas geográficas en dos. La reciben, por una parte, los aspirantes que sean ciudadanos o residentes permanentes de Estados Unidos y Canadá; y por otra parte, a aquellos del Caribe y America Latina.
Para acceder a la oferta de este año, se encuentra en el sitio Web, desde el 15 de junio, el modelo de solicitud y los requisitos. Éste debe ser enviado a las oficinas de la fundación, antes de septiembre, en el caso de norteamericanos y canadienses, y antes de diciembre, para aquellos aspirantes de Latinoamérica y el Caribe.
Además de un informe descriptivo acerca de la carrera de quien se inscriba para obtener la beca, debe dar cuenta de todas las publicaciones, exposiciones, performances, composiciones o realizaciones audiovisuales, que lleve hechas hasta el momento. Por último, debe agregarse una presentación de aquello para lo cual utilizará la beca, ya sea una investigación o una realización artística (artes de actuación o interpretación no aplican).

¿Quiénes eligen a los becarios y con qué criterio?
Dado que la labor de la fundación apunta tanto a la teoría como a la práctica, hay un intento por integrar voces autorizadas de ambas facetas. La institución tiene un comité de selección (uno para cada zona geográfica), pero a su vez éstos deben consultar con eruditos y artistas reconocidos, quienes darán su opinión y punto de vista acerca de las posibilidades y condiciones del aspirante.
Si bien quienes accedan a este beneficio pueden tener en su haber otras becas, así como ser miembros de otros centros de investigación, la fundación dará prioridad a aquellos que soliciten por primera vez las becas Guggenheim.

En resumen: Las becas de la Fundación Guggenheim apuntan al desarrollo y el perfeccionamiento profesional de aquellas personalidades relevantes de las artes, tanto en la teoría como en la practica, y ofrece ayudas económicas que permitan la dedicación exclusiva al proyecto presentado hasta por un año.

La primera de estas muestras se desarrolla en las instalaciones del Museo Nacional del Prado. Bajo el titulo “El Retrato Del Renacimiento” esta exhibición propone un recorrido que investiga el surgimiento del retrato en el siglo XIV como género pictórico autónomo analizando su importancia social, política y religiosa, su valor documental y su evolución tipológica hasta fines de siglo XVI en las más importantes metrópolis del continente europeo.

La segunda, una muestra itinerante que con el titulo “El retrato español en el Prado. De Goya a Sorolla” reúne obras maestras de los mas destacados artistas españoles que hallaron en el retrato un importante campo de acción durante el siglo XIX.

El retrato del Renacimiento.

Inaugurada el 3 de junio de 2008, esta muestra, organizada en colaboración con el Nacional Gallery de Londres y patrocinada por la Fundación AXA, podrá visitarse hasta el 7 de septiembre en el Museo Nacional del Prado en Madrid.

Se encuentran en exposición medallas, esculturas, dibujos y grabados que documentan la evolución del retrato desde sus primeras formas como pequeños objetos para la contemplación individual, hasta su incorporación al mobiliario domestico.

Obras de los mayores exponentes del Renacimiento Flamenco y del Renacimiento Italiano, procedentes de importantes colecciones de museos españoles, italianos, alemanes y norteamericanos, son reunidas por primera vez en esta ambiciosa presentación.

Oleos, temperas, esculturas de mármol y bronce de grandes maestros del arte como Piero della Francesca, Jan van Eyck y Hans Memling, son expuestas por el Museo Nacional del Prado para el deleite de los amantes del arte.

El retrato español en el Prado. De Goya a Sorolla.

Esta muestra itinerante, inaugurada el 5 de Marzo de 2007, ha recorrido las ciudades de Bilbao, Valencia, Murcia, Salamanca y Toledo; desembarcó el 11 de Junio en La Coruña y podrá visitarse en las Salas de la Fundación Caixa Galicia hasta el 7 de septiembre de 2008.

Pertenecientes a la colección del Museo del Prado y comenzando el recorrido con obras de estilo neoclásico de Francisco de Goya, la muestra atraviesa la sucesión de estilos, pasando por el romanticismo de José Gutiérrez de la Vega o Federico de Madrazo, para llegar a las tendencias realistas de Francisco Domingo o Emilio Sala y naturalistas de Joaquín Sorolla de fines del siglo XIX.

En resumen

Dos muestras que no pueden dejar de visitar quienes interesados en el arte y la historia, busquen comprender la importancia que el retrato ha tenido en la historia europea en general y española en particular, con el aval que solo el Museo del Prado puede ofrecer.

Mas Información

http://www.museodelprado.es/